Esplorare il caos controllato con One: Number 31 di Jackson Pollock, 1950

Posizione: Piano 4, 401, Gallerie David Geffen

One: Number 31, 1950 mostra l'energia e l'emozione senza limiti che Pollock ha provato durante la creazione del dipinto. Credeva che l'unico modo per creare veramente fosse quello di immergersi in essa.

I suoi movimenti e tratti a mano libera sulla tela, il gocciolare della vernice e dello smalto liquido, combinati con i colori e le corde delle bande di varie lunghezze, curve e stili, gli hanno permesso di esprimere ed emozionare veramente attraverso la sua arte.

Il dipinto non ha un punto focale, né un inizio o una fine; sfida tutti i principi tradizionali dell'arte e abbraccia il caos e l'energia del mondo moderno emergente.

"Sono più a mio agio. Mi sento più vicino, più parte del quadro, perché in questo modo posso camminarci intorno, lavorare dai quattro lati ed essere letteralmente nel quadro". Jackson Pollock, sul perché dipinge con le tele sul pavimento.

Pollock si muoveva con la sua pittura, come se stesse danzando, e dipingeva con diversi strumenti, come pennelli secchi e induriti, bastoni e bastoni da tacchino. Forava il barattolo di vernice, lo lasciava colare sulla tela e lasciava che la gravità facesse la sua magia.

Ha creato un effetto multistrato, strutturato e a impasto per la sua pittura. Credeva che i suoi dipinti avessero una vita propria e che tutto ciò che doveva fare era lasciarla trasparire sulla tela.

Per creare le sue opere, Pollock utilizzava vernici industriali, in particolare alchidiche (vernici a olio modificate), insieme a smalti liquidi. Il dipinto presenta molteplici bande di colore intrecciate, con una rete di linee e curve spruzzate e sgocciolate sulla tela in tonalità di marrone, blu, grigio, nero e bianco. La verniciatura dinamica, la stratificazione, gli schizzi e l'uso di vari tipi di vernice e strumenti danno vita a una texture unica, che mescola elementi densi, lucidi, macchiati e sparsi.

Non c'è un punto focale, il che porta l'attenzione dello spettatore a vagare in ogni angolo, curva e spruzzo della tela. L'assenza di schemi o ripetizioni discernibili conferisce un senso di ordine all'interno del caos, coinvolgendo lo spettatore in una costante esplorazione delle complessità dell'opera.

I conservatori del MoMA hanno iniziato l'analisi e il restauro del dipinto nel 2013. Fino ad allora era stato solo spolverato.

Dopo ulteriori indagini attraverso la radiografia a raggi X, l'esame ultravioletto, la spettroscopia a infrarossi a trasformata di Fourier e la spettrometria a fluorescenza a raggi X, hanno trovato uno strato di vernice sulle crepe che erano apparse sul dipinto.

I conservatori del MoMA hanno rimosso la sovrapittura e l'hanno ritoccata con gli acquerelli per mantenerla il più possibile simile all'originale.

Pollock fu fortemente influenzato da artisti come il muralista messicano José Clemente Orozco, Pablo Picasso, Joan Miró e il suo tutore Thomas Hart Benton. Il suo stile si è evoluto nel corso della sua carriera e ha continuato a conoscere l'arte moderna e contemporanea con l'aiuto della moglie e collega Lee Krasner. Ha usato la sua arte come mezzo di espressione e l'ha utilizzata anche nella sua terapia junghiana, mentre affrontava il suo alcolismo.

La sua arte è stata studiata da fisici e neuroscienziati cognitivi e il termine "Espressionismo Frattale" è stato coniato per descrivere il suo stile. I risultati dell'analisi frattale hanno mostrato una serie di somiglianze tra le sue opere d'arte e i frattali presenti in natura. Quando gli osservatori vedono i suoi dipinti, hanno la stessa risposta neurologica che avrebbero se vedessero dei frattali naturali o generati al computer.

Jackson Pollock è stato l'artista più popolare associato a questo metodo di pittura, anche se Janet Sobel, una pittrice ucraino-americana, ne è stata la pioniera. Il suo stile influenzò molto Pollock dopo aver visto le sue opere alla mostra "The Women" di Peggy Guggenheim nel 1945.

Il metodo a goccia rifiuta le pennellate tradizionali come metodo di pittura e prevede invece un approccio più fluido. Puoi spremere o far gocciolare la vernice direttamente sulla tela, versarla e lasciare che si diffonda da sola, oppure schizzarla con qualsiasi strumento tu voglia. Gli effetti creati cambiano in base al tipo di vernice, all'altezza a cui viene fatta gocciolare, alla velocità con cui cade e alla quantità di vernice/acqua utilizzata nel processo. Crea un effetto unico, stratificato e strutturato sulla tela, che è molto più sperimentale e libero.